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Thylacine en directo en la Sala Changó de Madrid durante su concierto de 2025

Thylacine en Sala Changó: cartografías del alma bajo luces estroboscópicas

By Actualidad, Conciertos, Reseñas, Últimas noticias

Un concierto de precisión quirúrgica con escala en Anatolia, regreso al Transiberiano y estancia en Namibia.

Mattia Vlad Morleo en la Sala Changó.

Mattia Vlad Morleo en la Sala Changó / ©Un Día, Un Disco.

El concierto abrió con la actuación del compositor italiano Mattia Vlad Morleo, que presentaba su segundo trabajo, ‘The Quiet Beauty of Familiar Places’, un disco de corteclaramente ambient, íntimo y construido desde la respiración lenta más que desde el impacto inmediato. Fue una apuesta valiente para un warm-up en una sala que aún se estaba llenando, y en la que el público, más pendiente de ubicarse que de escuchar, no siempre ofreció la atención que su propuesta requería. Aun así, Morleo firmó un set de apertura impecable, delicado y preciso, capaz de crear un clima propio incluso en condiciones poco propicias. Su breve concierto funcionó como antesala pausada y elegante antes de la inmersión total.

La sala Changó acogió el esperado regreso a Madrid de Thylacine (William Rezé), uno de los productores europeos que mejor ha sabido unir electrónica, instrumentación orgánica y narrativa de viaje. Lejos del formato DJ-set habitual en los clubes, lo suyo es un concierto en sentido estricto. Construcción, dinámica, interpretación y un guion sonoro tan milimetrado como flexible.

Rezé desplegó un repertorio centrado en Roads Vol. 3, pero con paradas estructurales en su ya clásico Transsiberian (2015), ese álbum nacido en un trayecto real en el ferrocarril ruso y que le situó en la primera línea de la electrónica paisajista. En frente de él, un pianista que no actuó como mero acompañante, sino como segundo protagonista, capaz de aportar color, armonía y contrapuntos que reforzaron la dimensión escénica del directo.

“Anatolia” y el bağlama que cuenta una historia

Uno de los pasajes más significativos de la noche llegó con la interpretación de ‘Anatolia‘, pieza incluida en el álbum ‘9 pieces‘. Thylacine aprovechó para explicar la procedencia del instrumento turco que tenía en las manos, un saz (o bağlama), aprendido gracias a la familia de su ex pareja, cuyo padre era maestro y profesor del instrumento. El dato no fue accesorio, la historia añadió profundidad a una obra que siempre se ha alimentado de viajes, pero no de turismo musical. Al tocar el saz, Rezé mostró un conocimiento respetuoso del instrumento. Fraseos claros, afinación cuidada y un uso prudente del efecto electrónico. La fusión entre la cuerda oriental y el beat produjo uno de los momentos de mayor disfrute y concentración en la sala.

Del frío del Transiberiano al pulso cálido de “Roads vol 3”

Thylacine y su pianista en un momento del concierto combinando electrónica, saxos y armonías en directo

Thylacine en su concierto de Madrid / ©Un Día, Un Disco.

Lejos de limitarse a su trabajo más reciente, Thylacine abrió espacio para releer “Transsiberian” con una madurez nueva. Temas como “Poly” o “Train” se reconocían por el patrón rítmico y por los pads dilatados que evocan ese viaje ferroviario que marcó su trayectoria. La revisión en directo fue más robusta, más física y menos contemplativa que en la grabación original.

El bloque de Roads Vol. 3 confirmó la evolución del productor hacia una electrónica más cálida, más detallista y menos dependiente del crescendo. Aquí la presencia del pianista resultó decisiva, cada ataque del teclado reforzaba la arquitectura armónica, aportando un matiz casi camerístico en ciertos pasajes.

Rezé supo alternar durante el concierto entre saxo tenor y barítono con solvencia. Con ese protagonismo en el sonido y en la ejecución, integró ambos instrumentos con una claridad casi académica, ataques muy controlados y timbres limpios que evitaba saturar las capas electrónicas. El barítono sirvió para las líneas más melódicas y graves. Mientras que el tenor ofreció esos pasajes de mayor densidad.

El uso del saxo durante el directo demostró una intención clara, recordar que la música de Thylacine es electrónica, sí, pero no deshumanizada. Cada entrada de viento reforzaba el contraste entre lo digital y lo orgánico, uno de los pilares de su lenguaje sonoro.

Un concierto de oficio y consistencia

En lo estrictamente técnico, el directo fue impecable. Sonido equilibrado, especialmente meritorio para una sala con acostumbrada a graves potentes. Ejecución precisa y estructura narrativa bien definida: apertura ambiental, bloque central rítmico, episodio acústico, repaso a su discografía y cierre ascendente sin recurrir al efectismo. El público respondió, más cerca de la escucha activa que del baile compulsivo. Thylacine ofreció exactamente lo que prometía su trayectoria, un concierto sin artificios, basado en el cuidado por el detalle y en un concepto de la electrónica como espacio de relato, no solo de pulsión.

Ayer se confirmó en Madrid lo que ya intuíamos, que su obra se sostiene más allá del estudio, que el viaje sigue siendo su materia prima y que la combinación de electrónica, instrumentación acústica y narrativa personal puede seguir evolucionando sin perder rigor. Un concierto sólido, honesto y bien construido. Un claro ejemplo de cómo la electrónica en directo puede aspirar a algo más que al estímulo inmediato.

29/11/2025
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Cari Cari en directo en la Sala B de Madrid, Alexander Köck a la guitarra y Stephanie Widmer al didgeridoo y batería durante su concierto del 21 de noviembre

Cari Cari: rock salvaje, psicodelia de precisión y un público que rugió hasta quedarse sin aliento

By Actualidad, Conciertos, Últimas noticias

Psicodelia afilada, sudor compartido y dos músicos convertidos en fuerza telúrica.

El dúo austríaco volvió a Madrid con un concierto que confirmó por qué su mezcla de rock frontal y atmósferas desérticas funciona tan bien en espacios pequeños. Sin ceremonias ni discursos, arrancaron puntuales y con una energía que la Sala B respondió de inmediato. La puesta en escena fue mínima, casi espartana, pero suficiente para dejar claro que lo importante estaba en el ritmo y en la tensión que construyen a dos manos.

Desde los primeros compases se notó un público atento, más concentrado que eufórico, siguiendo cada giro de batería y cada capa de guitarra como si estuvieran viendo una maquinaria en movimiento. Fue un inicio firme, sin picos gratuitos, que marcó el tono de una noche centrada en la música, no en la pose.

Alexander: riffs que cortan y un español improvisado que enamoró a la sala

El primer riff de Alexander fue una declaración. Crudo, directo, sin maquillaje. La clase de riff que te agarrota el cuello y te obliga a mirar al frente. Su manera de tocar es física, casi animal, pero con una precisión quirúrgica que mantiene al duo en un punto perfecto entre el caos y la lucidez. Y de pronto, entre canción y canción, soltó un “¡Buenas noches, Madrid!” con un acento tan improvisado como entrañable. No fue pose, fue historia. Explicó, con ese español travieso, construido a brochazos, que había vivido seis meses en Madrid. Que volver a tocar aquí no era un trámite, era un reencuentro. Y el público respondió como si le hubieran tocado una fibra colectiva. Esa conexión se notó en todo, en los aplausos, en las miradas, en la predisposición total a seguir cada sacudida que venía desde el escenario.

Stephanie: un arsenal de ritmo, voz y un didgeridoo que hizo temblar el suelo

Stephanie Widmer tocando en el concierto de Cari Cari en la Sala B de Madrid

Stephanie Widmer en vivo en Madrid – Cari Cari / ©Un Día, Un disco.

Si Alexander encendía el fuego, Stephanie lo convertía en una hoguera ritual. Su rango como intérprete es casi insultante, voz, teclado, percusión, batería, didgeridoo… y todo con una solidez que parece desafiar las leyes del escenario. Lo del didgeridoo no fue un momento curioso ni exótico, fue un fenómeno físico. Un sonido grave, profundo, que se deslizó por la sala como un animal prehistórico. Los graves entraron en el público y les hicieron vibrar desde dentro.

Cuando se sentó a la batería, el concierto dio un giro de intensidad. Golpeaba duro, pero no por fuerza, por convicción. La caja sonaba como un latigazo. El bombo era una sentencia. Y sobre todo, su voz, cálida, firme, luminosa, capaz de colarse justo en el hueco emocional donde duele sin avisar.

Un público que dejó de ser público y se convirtió en coro y motor

La gente respondió con un nivel de entrega que pocas bandas consiguen provocar. No hubo momentos tibios. No hubo medias tintas. Hubo una sala que se rindió a lo que Cari Cari estaba construyendo. Cuando empezaron a acercarse al final, la sala ya lo tenía claro. No había dudas. No había alternativas. El grito salió al unísono: “¡MAPACHE! ¡MAPACHE!”. Alexander levantó la ceja, Stephanie sonrió con ese brillo peligroso, y soltaron la canción como un cañonazo. El público explotó. Saltos, gritos y pogo organizado.
Una de esas ejecuciones perfectas en las que banda y sala se alinean hasta parecer una sola criatura.

Fue un final que no cerró el concierto, lo remató. Lo selló. Lo convirtió en algo que se recordará durante años. Esta noche en la Sala B fue un puñetazo encima de la mesa. Un recordatorio de que es posible autoproducirse todo al margen de discográficas y agencias de management, y, sobre todo, de que el rock sigue vivo cuando lo tocan quienes creen en él como si les fuera la vida en ello.

22/11/2025
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Alberto & García llegan al Café Berlín: una noche para ensuciarse de música

By Actualidad, Conciertos, Últimas noticias

La banda asturiana presenta su nuevo disco, Barro, en uno de los templos del directo en Madrid.

Un concierto que promete ser tan íntimo como eléctrico, entre raíces y emoción.

El próximo 20 de noviembre, Alberto & García traerán su barro al Café Berlín de Madrid. Y no es una metáfora: llegarán con las botas manchadas de su último disco, Barro, un trabajo donde la tierra, el cansancio y la ternura se mezclan en canciones que se sienten más que se escuchan.

El Berlín, ese pequeño santuario madrileño donde caben mil vidas en un mismo acorde, será el escenario de una cita que promete ser más ceremonia que concierto. Allí, bajo las luces cálidas y la acústica envolvente, la banda asturiana desplegará su sonido: una fusión de folk del norte, pop alternativo y poesía cotidiana.

El barro como punto de encuentro

Quienes hayan seguido a Alberto & García saben que su directo es un viaje en espiral, empieza suave, como una conversación entre amigos, y acaba convertido en una especie de romería eléctrica. En el Berlín, ese viaje se teñirá del espíritu de Barro, un disco que respira cercanía y vulnerabilidad.

En escena, las guitarras conviven con percusiones de aire tradicional y voces que parecen venir del bosque. Las canciones se transforman, lo que en el disco es introspección, en el escenario se vuelve celebración. No es difícil imaginar que esa noche en el Café Berlín se convierta en un ritual compartido, una invitación a hundir los pies en la música hasta perder el equilibrio.

Madrid, territorio fértil

Aunque nacidos en Asturias, Alberto & García siempre han tenido una relación especial con Madrid. Sus conciertos en la capital se cuentan por abrazos y ovaciones, como si aquí encontraran una segunda raíz. El Café Berlín, con su mezcla de historia y presente, de lo acústico y lo eléctrico, es el lugar perfecto para presentar Barro. Un espacio donde cada acorde rebota en las paredes y se queda un rato flotando, como si no quisiera marcharse.

Una cita para dejarse manchar

El concierto del 20 de noviembre no será solo una presentación, será una invitación a ensuciarse de música, a dejar que el barro salpique, a recordar que la belleza también nace de lo imperfecto.

En un panorama de festivales masivos y playlists automáticas, noches como esta recuerdan por qué seguimos yendo a conciertos, por el temblor, por el error, por el instante irrepetible. El barro se limpia. La emoción, no.

12/11/2025
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Fe, fuego y soul: la noche en que Robert Finley hizo de Madrid su iglesia

By Actualidad, Conciertos, Últimas noticias

De la Lousiana profunda al corazón de Chamberí.

Entre canción y canción, Finley predicó con humor y sabiduría de carretera.

Ayer por la noche el éter de Madrid se impregnó de un blues cargado de historia: la presencia de Robert Finley (y su inseparable hija/corista) sacudió la sala Mon hasta su aforo total, sin teloneros, sin pausas incómodas. Un concierto sold out, puro. Desde el momento en que Finley y su gran voz se alzaron sobre el escenario, quedó claro que aquello no era un recital al uso sino una auténtica delicia para las personas que asistieron. Con su último álbum, ‘Hallelujah! Don’t Let The Devil Fool Ya’ ya en las calles, el viaje desde la Louisiana del sur hasta la madrileña Calle Hilarión Eslava se sentía inevitable.

Lo especial de la noche: Finley no vino solo. Su hija, que participa como corista en su último álbum, se subió al escenario para tejer un diálogo de voces y miradas con su padre. Esa complicidad agregó una dimensión íntima al sudor del blues, y permitió que el público asistiera no solo al show de un veterano, sino al encuentro de dos generaciones que comparten el mismo pulso musical.

El repertorio, sin interrupciones de teloneros que atenazaran la espera, fluía con fuerza. Finley abría con piezas cargadas de ritmo, se detenía para comentar – «esta me salió después de una larga noche en la carretera», «ahora vamos a hacer algo que viene directo del corazón» –, y pasaba al siguiente tema como quien vuelve a encender una llama que nunca se apagó. Esa naturalidad en el discurso hizo que el recital pareciera completamente improvisado.

Robert Finley en el concierto de Sala Mon / ©Un Día, Un Disco.

Madrid dijo amén

El tono del concierto navegó entre lo espiritual y lo visceral. Hubo momentos en los que la guitarra parecía rozar el blues más crudo, otros en que la voz de Finley evocaba el gospel de su crianza, y todos en que el público asistía callado, hipnotizado, a esa alquimia. La hija-corista, con su presencia sutil pero firme, reforzó ese puente entre lo terrenal y lo trascendente.

El escenario de la sala Mon, relativamente pequeño para el poderío de Finley, favoreció el contacto directo. Los aplausos reventaban en el momento justo. Los silencios, entre canción y canción, no se sentían como espera sino como calma antes de que volviese a caer el martillo del soul. Y cuando Finley habló de «déjate de hablar con el diablo, que el blues no espera», quedó claro que la narrativa del nuevo disco se trasladaba al directo: la redención, la gratitud, la memoria.

Al final, tras la última canción, con ese carácter de una súplica y una celebración al mismo tiempo, la ovación tuvo algo de himno. No era simplemente aplauso, era reconocimiento. Reconocimiento a la música que no se rinde, a la voz que conoció muchas noches de carretera antes de este momento, al vínculo padre-hija que amplifica el sonido.

Quedó para el recuerdo una sala llena hasta la bandera, un viejo bluesman que ya no es viejo, su hija al lado, un álbum nuevo que empuja la rueda, y un Madrid que se dejó tocar por el sudor, el alma y el ritmo.

26/10/2025
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Steel Pulse en directo en Madrid, concierto en Sala Mon durante la gira 2025 de reggae roots.

La voz de Handsworth en Madrid: Steel Pulse y el pulso del groove

By Actualidad, Conciertos

El reggae como memoria viva, como latido político, como herida que sigue cantando.
Una noche para entender por qué la música también es documento, refugio y advertencia.

Cuando David Hinds asoma la guitarra en un escenario uno entiende que el reggae puede ser tantas cosas como capas tiene su voz, historia, resistencia, plegaria, rugido. Anoche la sala Mon vibró como si las calles de Handsworth hubieran doblado la esquina para recordarnos que hay músicas que no envejecen porque siguen señalando lo que duele. No fue un concierto, fue un recordatorio.

La Mon, tan directa, sin donde esconderse, estaba llena de cuerpos que parecían custodiadores de épocas distintas. Antes de que sonara una sola nota, el ambiente ya hablaba de genealogías, el reggae británico que creció entre crisis obrera, racismo institucional y noches de pubs húmedos. El reggae que descubrió que podía ser más político que festivo sin perder el baile.

El directo fue un recordatorio de cómo suena una banda que ha sobrevivido a medio siglo de cambios sin romper el hilo. Las líneas de bajo eran gruesas como vigas, las guitarras, filosas, sostenían ese chop rítmico que hacía que el pecho marcara el compás. Hinds cantó con una voz que ya no busca demostrar nada, es más áspera, sí, pero también más verdadera. El sonido tenía algo esencial, claridad sin artificio. La batería dejaba huecos respirables, los teclados servían de niebla y los metales aparecían como apariciones, puntuales y certeros. En algunos momentos el eco del dub asomaba entre silencios estratégicos, recordando que Steel Pulse siempre fue más experimental de lo que se les suele adjudicar.

Canciones que siguen avisando

Cuando sonaron temas ligados a Handsworth Revolution, la sala entera se convirtió en un coro que sabía que aquello no era nostalgia. Las letras sobre brutalidad policial, desigualdad o tensiones raciales, que en los 70 hablaban del Reino Unido, resonaron en un 2025 donde Europa vuelve a endurecer fronteras y discursos. El público lo sintió, había un temblor colectivo cuando Hinds pronunciaba frases que podrían haber sido escritas ayer.

Entre los clásicos, la banda coló piezas más recientes que mantuvieron intacta su vocación musical. No hubo concesiones, no hubo gestos de “gira conmemorativa”, hubo la conciencia de estar celebrando 50 años sin suavizar el mensaje. Y eso, en un mundo acostumbrado a la autocensura estética, es casi un acto de resistencia.

Escenario sin artificio, mensaje sin filtros

La puesta en escena fue mínima porque lo importante era otra cosa. Sin pantallas, sin dramatismos lumínicos, sin protagonismos innecesarios. Hinds ocupaba el centro con la calma de quien no necesita imponerse, su presencia era más que física. A su alrededor, la banda funcionaba como un motor antiguo pero afinado, donde cada engranaje sabía cuándo entrar y cuándo desaparecer.

Para entender lo que pasó en la Mon hay que mirar hacia atrás. Steel Pulse nació en 1975 en un Birmingham roto por las políticas de Thatcher, por la precariedad y por las tensiones raciales. Su música fue, desde el principio, la banda sonora de una comunidad que necesitaba contar su historia sin pedir permiso. Que sigan llenando salas no habla del pasado, habla de que los problemas que denunciaban siguen vivos. Su reggae no es postal caribeña ni simulacro estival, es música urbana, política, forjada entre huelgas, migraciones y noches de sirenas.

Anoche, esa herencia se volvió audible, era la historia entrando por los altavoces. Salir de la sala fue como salir de un túnel con un eco persistente. La sensación no era euforia ni nostalgia, sino algo más parecido a una comprensión. Steel Pulse ofreció un concierto donde el baile convivió con la memoria, donde la música no buscó sólo entretener sino recordar que el mundo aún tiene sus grietas y que hay canciones hechas para señalarlas. Hinds se despidió con esa mezcla de dignidad y cansancio de quienes saben que la música cambia menos cosas de las que querríamos… pero cambia algunas. Y a veces eso basta para seguir.

01/04/2025
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La tierra bailó al revés, el rugido de las diosas gallegas retumbó en Madrid

By Actualidad, Conciertos

Rito electrónico y pandereta en mano: la noche que la acrópolis fue una pista.

El dúo gallego convirtió tradición, mitología y beat electrónico en placer colectivo.

La sala ‘La Paqui’ (antigua sala But) se inundó de humo frío y luces violetas. En las primeras filas la gente ya andaba ansiosa por el inicio del concierto, anticipando la chispa que prendería. Porque lo que vino no fue un concierto al uso: fue una ceremonia, fue una fulgurante comunión entre lo ancestral y lo digital.

Los bloques, las ménades, la fiesta

Las gallegas Fillas de Cassandra —Sara Faro y María SOA— ocuparon el escenario sobre dos bloques imponentes, recortadas contra focos que parecían proyectar sombras rituales. A su lado, Tania Caamaño y Marina Vidal completaban la formación, convirtiendo la plataforma en un altar pagano de pulsaciones electrónicas, bombo y pandereta.

Desde el arranque con “Amencerse” y “Decruarse”, el tono estaba fijado: no sólo escuchar, sino entregarse. Las voces crecían en coro, las texturas se plegaban al ritmo de las manos que se alzaban. Y algo cambió cuando entonaron “Cassandra”: la letra mutó, el nombre resonó como mantra: «Esta é Cassandra».

Tradición viva y modernidad sin filtro

Era gallego, sí — pero también un latido universal. En un momento, sonó una muiñeira renovada (“As Moiras”), en otro, un salto de ska-electrónica con “Lisístrata (Varre Vasoira)”. En ambas, la sala vibró como si de un pazo se tratara, pese a hallarnos en pleno Madrid. Algunos botaron; otros cerraron los ojos y se dejaron llevar.

Lo más notable: en una letra, narraron la historia de Rosa —un feminicidio— con panderos cuadrados y voz grave, y la sala se hizo silencio, respetuoso, como catedral. Y luego volvieron los gritos con las canciones: ¡PUNHETA!, ¡ECO!, ¡Pandora! La tensión se liberó.

De Galicia a Madrid sin cortar raíces

La sala llena hasta alcanzar el sold out con visitantes que coreaban sin comprender todo. Y eso, paradójicamente, era la victoria: que la lengua no fuera barrera sino acto de unión. “Non hai fronteiras”. Fue un ritual colectivo. La respuesta fue la emoción sobre el escenario y la despedida como si se cerrara un círculo. Y quizá, lo cerraron: “Últimas Dionisíacas” se llama la gira, y la sensación fue de haber asistido al cierre de algo, para abrir otro.

¿Y qué queda tras apagarse las luces?

Una sala vacía pero vibrante, y un puñado de personas con los pies aún reverberando. La propuesta de Fillas de Cassandra se consolida: no es simplemente folclore reinventado ni electrónica superpuesta; es rito, es memoria, es futuro. Y en Madrid lo demostraron. En la “Acrópole” que levantaron, ahora se respira aire nuevo.

Para quienes estuvimos allí, no fue un concierto más: fue un “hoxe imos plantas os pés, hoxe imos marcar camiño”. Y salió a pedir de boca.

02/02/2025
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The New Raemon y McEnroe traen a Madrid su bosque interior

By Actualidad, Conciertos

La Sala But se convierte en un refugio de calma y belleza con su nuevo disco conjunto, ‘Nuevos bosques’.

Cuando la tristeza se convierte en abrigo

The New Raemon / ©Un Día, Un Disco

 

Hay conciertos que no se viven: se habitan. El de este jueves 23 de enero en la Sala But fue uno de ellos. Durante todo el recorrido musical, The New Raemon y McEnroe construyeron un refugio en mitad del ruido madrileño. Afuera, el tráfico y los móviles; dentro, un bosque. Uno donde los árboles son guitarras y la savia, letras que gotean lento.

Ramón Rodríguez y Ricardo Lezón salieron sin artificio, sin aspavientos. Dos tipos normales, dos leñadores del alma que vinieron a enseñarnos cómo suena el silencio cuando se afina. Y la But, que suele ser territorio de pogo y cerveza derramada, se transformó en un claro. Allí, el público escuchó con la misma devoción con la que se mira una hoguera.

La alianza del sosiego

El repertorio giró en torno a ‘Nuevos bosques’, su último trabajo conjunto, publicado en 2024. Un disco que continúa la senda de Lluvia y truenos pero con un tono más depurado, más hondo. En directo, las canciones respiran distinto: “La última piedra”, “Agua clara” o “El verano del incendio” suenan como confesiones a media voz entre dos amigos que ya no necesitan fingir nada.

Las voces de Ramón y Ricardo se entrelazan como raíces que no compiten por la luz. Uno aporta la ironía tierna, el otro la gravedad dulce. Entre los dos construyen un paisaje emocional donde el desamor no duele tanto y la nostalgia no pesa: se convierte en materia fértil.

Una comunión sin estridencias

El público respondió con una calidez poco habitual. No hubo gritos ni coros desafinados: hubo silencio atento, respiraciones contenidas, sonrisas pequeñas. Cada canción terminaba con un aplauso que sonaba más a agradecimiento que a celebración. Como si todos supieran que aquello era algo frágil, que si se hablaba demasiado alto podía romperse.

Hubo también espacio para temas de sus proyectos individuales que tejieron puentes con el pasado. Pero el pulso del concierto estuvo siempre en ese nuevo bosque, en ese intento de reconciliarse con la tristeza sin esconderla.

Luz entre los árboles

Cuando sonó “Nuevos bosques”, el tema que da nombre al disco, el público ya estaba dentro del hechizo. Las luces proyectaban sombras que parecían hojas moviéndose, y el escenario se volvió selva interior. No había grandes efectos, solo una banda tocando con la calma de quien sabe que lo importante no es impresionar, sino conmover.

Algo había cambiado. En las miradas de la gente había ese brillo leve que deja lo bello cuando no lo esperas. Quizá ese sea el poder de The New Raemon y McEnroe: recordarnos que la emoción no es un espectáculo, sino un hogar.

24/01/2025
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