El lanzamiento de Berghain, la nueva canción de Rosalía, vuelve a poner sobre la mesa la relación entre lo clásico y lo digital.
Pero esta conversación no es nueva: artistas como Thylacine, Rone o Floating Points llevan años componiendo desde ese punto de fricción entre la emoción orquestal y la precisión electrónica.
Rosalía y el espejismo de la “vanguardia”
Rosalía ha vuelto a hacerlo: romper el algoritmo con una canción que nadie vio venir. Su nuevo tema, Berghain, toma el nombre del legendario club berlinés y mezcla un coro clásico con bases electrónicas minimalistas. La artista catalana explora así un espacio sonoro que intenta reconciliar la liturgia con el beat, el templo con la pista.
Pero más allá del impacto mediático, Berghain abre una conversación más interesante: ¿Realmente estamos ante un gesto vanguardista o ante un movimiento que ya viene gestándose en la música contemporánea desde hace años?
Thylacine: uno de los pioneros silenciosos de la orquesta electrónica
Mientras el mainstream descubre la épica de mezclar cuerdas con sintetizadores, Thylacine lleva años perfeccionando ese lenguaje.
El productor francés, que presentó hace unos días su disco ROADS Vol. 3 y actuará en Madrid el 28 de noviembre, firmó en 2022 uno de los experimentos más elegantes de la electrónica sinfónica reciente: Thylacine & 74 Musicians, grabado con la Orquesta Nacional de los Países del Loira. En ese trabajo, las cuerdas no acompañaban: respiraban. El artista reescribió su repertorio junto a setenta y cuatro músicos clásicos, fusionando los crescendos orquestales con sintetizadores analógicos, vientos, percusiones y pads atmosféricos. El resultado no era una superposición, sino una integración real: la orquesta como cuerpo y el beat como alma.
No es nuevo, pero sí necesario
Antes de Thylacine, otros ya habían trazado ese mismo puente. El británico Jon Hopkins incorporó arreglos orquestales en Immunity y Singularity, donde los violines y los arpegios electrónicos dialogaban como dos hemisferios cerebrales.
Floating Points, junto a Pharaoh Sanders y la London Symphony Orchestra, firmó Promises (2021), una obra maestra del minimalismo espiritual. Nils Frahm y Ólafur Arnalds llevan una década desdibujando los límites entre partitura y sintetizador, cámara y laptop.
Y en el terreno femenino, la islandesa Hildur Guðnadóttir, ganadora del Óscar por Joker, ha demostrado que la orquesta y la electrónica no son opuestos, sino extensiones naturales de una misma emoción.
En ese contexto, Berghain llega más como un eco que como una revolución. Su mérito está en llevar esa conversación al gran público, aunque sus raíces sean profundas y anteriores.
Entre el beat y el barroco
Lo interesante de este diálogo entre electrónica y orquesta es que no busca “elevar” un género con otro, sino recordar que la emoción es transversal. El violín y el sintetizador no se enfrentan: se abrazan. Lo que cambia no son los instrumentos, sino el contexto, el relato, la mirada.
Thylacine lo entiende como pocos: para él, una nota de saxo puede pesar tanto como un drone ambiental, y un crescendo de cuerdas puede convivir con un beat de 120 BPM sin perder autenticidad. Su música no pretende sofisticar la electrónica, sino humanizarla.
La nueva sensibilidad híbrida
Que Rosalía publique Berghain y Thylacine estrene ROADS Vol. 3 casi al mismo tiempo no es casualidad: responde a un momento cultural donde los géneros se mezclan sin pedir permiso. La diferencia está en la dirección del viaje: mientras unos llegan desde el pop hacia lo experimental, otros lo hacen desde la experimentación hacia el público. Y ambos caminos son válidos.
Desde Un Día, Un Disco celebramos esa porosidad, aunque también reivindicamos la memoria. Porque detrás de cada “nuevo sonido” hay una historia, un trabajo y una búsqueda que comenzó mucho antes del trending topic. Y porque, al final, lo importante no es quién lo hace primero, sino toda las novedades musicales que podemos disponer.